MARIO ÁNGEL QUINTERO: CLOUDE OF UNKNOWYNG

La obra de George Mario Ángel Quintero nace tejida entre idiomas, escenarios, cuerpos y objetos desde una conciencia profundamente rítmica del lenguaje, donde la palabra no es lo único que usa para nombrar, se manifiesta desde la imagen, en su universo creativo las palabras se deshacen para encarnar como trazo, materia y gesto.

Acerca de Cloude of Unknowyng: Esta serie de siete pinturas, hechas con tempera, acuarela, acrílico, y óleo sobre papel,  se inspira en el texto medieval del mismo título, escrito a mediados del siglo catorce, traducido a veces como “La nube del no saber” y otras como “La nube del desconocimiento”, cuyo mensaje principal es que dios no se puede entender a través de la razón ni del intelecto, sino a través del amor. Para llegar a ese amor hay que cultivar dos estados contemplativos: “la nube del olvido” y  “la nube del no saber”. Los títulos de las piezas vienen del mismo texto.

Por Valentina Rojas.
Imágenes cedidas por Mario Ángel Quintero.

¿Cómo llega Mario Ángel a la pintura, su interés de abordar lo metafísico, lo que en ocasiones aparentemente podría no tener forma?

El color y las formas son parte esencial de la sensación de vivir. En mi caso producen algo entre aturdimiento y asombro. Son el lenguaje de las presencias. Estos dos elementos nos revelan instancias de contacto, rastros de acciones dramáticas, donde algo se encuentra con algo. Siento que más allá de cualquier concepción metafísica lo que persigo son lenguajes intuitivos. Al vivir, lo vívido tiene un valor absoluto. La intensidad se manifiesta en la habilidad de estar presente en el momento. La música ha jugado un papel muy parecido en mis procesos. Un sonido, como un color, es realidad sin tener que aferrarse a ella. En el lenguaje escrito, siempre me toca presionar las palabras, sacarles el jugo que las lleva más allá de nombrar. En música y artes visuales tengo acceso a ese jugo destilado desde el comienzo. Mirar, escuchar, involucra a otros de una manera inmediata. La idea que lo que queda de estos encuentros no tiene forma es curiosa dado que la forma es inherente al haber algo, anterior a los elementos. Todo árbol tiene forma, toda brisa tiene forma, todo reguero en el piso de la cocina tiene forma.  

¿Es necesario conocer el texto antes de acercarse a las obras?

Para nada. Eso no es decir que se puede quizás adentrar más en ellas de cierta manera al leer el texto. Pero en términos de lo más importante, no se necesita leer la obra medieval inglesa que inspiró estos gestos. Lo que sí me parece importante es sentir que la idea de lo racional y lo histórico como andamios hacia construir una convivencia en que estamos presentes en todo lo que hacemos es una creencia que nos aleja de nosotros mismos. Tenemos que sentir lo que vivimos antes de pensarlo. Desde mi perspectiva, el arte hay que vivirlo y no esperar a entenderlo. Estas pinturas, como mucho de lo que he hecho, resaltan lo que no está, lo que está oculto, y lo que permanece opaco.

¿Dónde, de qué manera crees que  aparece el amor en una obra que renuncia al entendimiento racional?

Toda actividad humana ignora el entendimiento racional, con la excepción de los intentos de control de si misma o a los demás. Ni el amor, ni el arte se acercan al entendimiento racional. Encuentros son la base de todo acontecimiento, y ahí donde las cosas ocurren germina el arte, el amor, y yo diría, el vivir. Cuando algo ocurre hay tiempo presente, hay presencia, hay realidad. ¿Cómo se ven nuestras huellas sobre el puente del amor.

¿Qué lugar ocupa el silencio y el vacío dentro de estas piezas?

El silencio, el vacío, y la oscuridad son los sitios donde los hechos ocurren. Seudo-Dionisio el Areopagita escribe que dios no puede ser la luz, porque la luz se puede apagar. La oscuridad, en cambio, siempre está, y espera a que todo termine para retomarse el entorno. El silencio y el vacío son igual. De vez en cuando los contextos se borran, se renuevan, vuelven a su estado original de posibilidad. Nos enseñaron que el negro y el blanco no son colores sino valores. Cuando estos dejan de filtrar y apoyar los otros tintes, sus acciones por si mismos toman el peso de lo absoluto. Seguir es la manera ir recogiendo cada carambola. Para seguir nos tenemos que mover. Los únicos sitios hacia donde podemos mover son el silencio, el vacío, y la oscuridad. Hacer es una manera de desocuparse.

¿Qué significa para ti “pintar desde la nube del olvido”?

Lo nebuloso nos permite precisar lo nítido sin tener que explicarlo. No armamos argumentos sino que extendemos nuestro alcance y agarramos lo que hay, lo que está a la mano en ese instante. Según los neurólogos, recordar es fabular. Así que siempre estamos pintando desde ese remolino sin anclas que es el olvido. Girar borra, pero también marca las paredes. Aquí ocurre movimiento, y las apariciones que extienden nuestros gestos son nuestros únicos interlocutores, y delimitan los espacios donde podemos seguir actuando.

¿Crees que pintar es un ejercicio espiritual?

Parafraseando a Malebranche de nuevo, diría que la atención es el rezo natural del alma. En vez de alma podemos decir espíritu, anima, o impulso. De cualquier manera que se quiera nombrar, lo esencial dentro de cada persona cumple con su potencial al estar atento. Mi experiencia ha sido que esa atención me lleva a acciones y creaciones, y que el proceso de abrir la atención me permite enhebrar un ya por el periodo limitado que tengo para estar vivo e inmerso en la corriente de los milagros.

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Mario Angel Quintero. Participa en las siguientes exhibiciones, Contextos (grupo, MACLA, 1994), Cirugía  (solo, Galería Exfanfarria Teatro, 2008), Amnistía (grupo, El Museo de Arte Moderno de Medellín, 2009), Prueba de sobrevivencia (solo, Casa DeAmbulantes, 2011), brotes y pegotes (solo, Café Ateneo Porfirio Barba Jacob, 2024), restos (solo, Galeria Ateneo Porfirio Barba Jacob, 2025).Su trabajo pictórico se ha publicado en los siguientes periódicos y revistas, Miniature Forests 2/3 (2010), LAKEVIEW INTERNATIONAL (2013), AL ARABY (2018, 2019, 2020),  y Revista Innombrable (2023, 2026).  Ilustra las portadas de las siguientes publicaciones, Interregno (revista, 1997, 2008, 2010), Muestra (libro de sus poemas, 1998), Tentenelaire (libro de sus poemas, 2006), Poema de Nueva York (libro de Omar Castillo, 2007), Los años iniciales en el vacío (libro de Omar Castillo, 2008), La alegría de decir (libro de Luis Iván Bedoya, 2009), Como morir en un solar ajeno (libro de sus dramaturgias, 2009), El escritor y sus lecturas (antología, Editorial Ateneo, 2010), La sabiduría de los limones (libro de sus dramaturgias, 2013), Mapa de las palabras (libro de sus poemas, 2014), On the Voice  (libro de sus poemas escritos en inglés, 2016), Calamidad Doméstica (libro de sus dramaturgias, 2016), Closer (novela en inglés, 2018), A Cuddle (novela en inglés, 2018), la materialidad (libro de sus poemas, 2020), y Diventa l’Albero (libro de sus poemas traducidos al italiano, 2020).